A lo largo de la historia, la curiosidad musicológica ha explorado campos de investigación que han ampliado las posibilidades de escucha musical. La prioridad de los investigadores y los músicos pioneros de los siglos XIX y XX fue la recuperación de numerosas partituras e instrumentos musicales que habían caído en el olvido y el redescubrimiento de las técnicas de interpretación del pasado. Los hallazgos originaron constantes iniciativas de promoción y recreación de una música perdida que despertó un interés creciente del público por la interpretación históricamente fundamentada. La unión de ambas iniciativas (académica y práctica) incorporó nuevas experiencias sensoriales a una sociedad interesada en percibir la música del pasado tal y cómo se creó y escuchó en origen. El éxito de la empresa se evidenció en el gran interés que el público manifestó tanto en las salas de conciertos como en la creación de una industria discográfica multimillonaria. En las últimas décadas los especialistas cada vez han sido más conscientes de la continua evolución de estas interpretaciones según se localizan fuentes desconocidas con anterioridad y se desarrollan nuevos campos y metodologías de investigación1.
Dos de los enfoques más interesantes de las últimas corrientes académicas, por sus conexiones, su aplicación práctica y su capacidad evocadora, son la exploración del entorno físico en el que estos repertorios recuperados se interpretaron en su día y cómo pudieron afectar a la percepción del oyente que participaba en los eventos. La diferencia que el público contemporáneo encuentra al comparar la experiencia de escucha en salas de conciertos modernas y las realizadas en algunos de los antiguos edificios para los que se concibió originalmente la música es una de las realidades contemporáneas que ha promovido el florecimiento de esta área de estudio. El interés actual por el contexto espacial no se limita a identificar los emplazamientos donde tenía lugar la interpretación musical -catedrales, monasterios, palacios- sino que se amplía a su topografía, a las condiciones acústicas, a la experiencia sensorial del espectador y a la consciencia de esta influencia en la época. El desarrollo y la conexión de estos aspectos (espacial, acústico y sensorial) es el objetivo principal del presente volumen.
El estudio de la acústica de las salas aplicada a la música no es nuevo. En 1936 el entonces subjefe de la Sección de Música de la Library of Congress, Harold Spivacke, comenzó su contribución al encuentro anual de la Sociedad Americana de Musicología con la siguiente frase: “el lugar de la acústica en musicología es similar a la posición ocupada por el sonido en la música”2. El orador se quejaba de que la única rama de la acústica que había disfrutado de toda la atención de los musicólogos era la físico-matemática, porque estaba íntimamente relacionada con los intervalos musicales y la afinación3. De hecho, durante muchos años esta faceta del sonido fue la que formó parte de los estudios fundamentales de la musicología, hasta casi finales del siglo pasado. No obstante, lo más interesante de su discurso fue la propuesta para desarrollar diversas aplicaciones de la acústica respecto a la producción y recepción del sonido. El autor apuntaba, entre otras opciones, la obtención de datos interesantes sobre el conocimiento de la música antigua a partir del estudio de las catedrales y salas históricas. Aunque se habían realizado algunas aproximaciones en este campo con anterioridad, el bibliotecario neoyorquino consideraba que el acercamiento había sido superficial4. Posiblemente sus comentarios hicieran referencia a ciertos trabajos que trataban sobre el diseño de edificios contemporáneos en relación con la experiencia musical, como los realizados por el arquitecto británico Hope Bagenal5, en los cuales se había apuntado en ocasiones una perspectiva histórica6.
Desde la musicología se expusieron otras opciones con respecto a la relación entre las proporciones espaciales y la música7, pero fue esencialmente a partir de las décadas de 1980 y 90 cuando creció el interés por la interacción entre la interpretación musical y el espacio. Destacan en esta época los estudios sobre la arquitectura de la basílica de San Marcos de Venecia y su relación con los cori spezzati8. Especialmente cercanos a la acústica de la música antigua en estas décadas, pero con una visión musicológica fueron los estudios de Dorothea Baumann9, la cual planteó la dificultad de acometer enfoques interdisciplinarios semejantes por la cantidad de materias a las que había que acceder10. Aún consciente de su complejidad, la profesora de la Universidad de Zurich continuó publicando estudios de musicología histórica que se centraban en la percepción y preocupación por la acústica espacial en los años posteriores11.
Paralelamente a los enfoques musicológicos sobre el espacio, que se amplían considerablemente en el siglo XXI, las investigaciones desde la acústica arquitectónica avanzaban en un progresivo acercamiento entre las disciplinas. Los estudios técnicos cada vez eran más conscientes de las relaciones inherentes entre la música, las prácticas devocionales y el espacio en los centros religiosos, y como afectaba todo el conjunto a la percepción del oyente. Con la progresiva consciencia de esta realidad y el desarrollo de herramientas de medición y análisis informatizado cada vez más precisas, las investigaciones se incrementaron especialmente a partir de la década de 199012. Uno de los proyectos enfocados en el Renacimiento con mayor difusión fue el realizado por el Centre for Acoustic and Musical Experiments in Renaissance Architecture (CAMERA) perteneciente a la Universidad de Cambridge. La propuesta analizaba cómo el trabajo de los arquitectos venecianos afectó al desempeño de la música sagrada posterior al Concilio de Trento. Durante su elaboración, se realizaron mediciones acústicas de varias iglesias venecianas y se contó con la participación del coro St. John’s College de la Universidad de Cambridge, el cual realizó interpretaciones musicales in situ13. Tras varios artículos y comunicaciones sobre los resultados se editó un volumen, que se instituyó como motor para monografías posteriores14.
La rápida evolución y expansión de las tecnologías digitales ha ayudado a promover nuevas exploraciones en este campo que, cada vez más a menudo, se presentan en formato digital y se convierten en una experiencia sensorial actual accesible al gran público. La reconstrucción arquitectónica virtual y la auralización permiten recuperar tanto el aspecto físico como auditivo de edificios que han sido destruidos o modificados con respecto a su diseño original. Un ejemplo reseñable por su relevancia y continuidad en la web es el proyecto Renaissance virtuelle en musique de l’ancienne collégiale Saint-Martin de Tours. La iniciativa fue dirigida por David Fiala, profesor de la Université de Tours, en colaboración con las universidades de Orléans y Bourgogne y el Ensemble Gilles Binchois, bajo la dirección musical de Dominique Vellard. La investigación desarrolló una reconstrucción acústica y visual de la antigua iglesia colegiata de Saint-Martin de Tours, destruida alrededor de 1800, que permitía contemplar la arquitectura del edificio desaparecido y escuchar la reproducción de la música que se interpretó en su interior durante la segunda mitad del siglo XV según la acústica del edificio. El periodo elegido es especialmente significativo porque representa una edad de oro cultural, que contaba entonces con la presencia de la corte real y compositores de la relevancia de Johannes Ockeghem. El proyecto generó algunos artículos, videos y una exposición desplegada en el Musée des Beaux-Arts de Tours desde el 8 de octubre de 2016 hasta el 8 de enero del 201715.
Ante el desarrollo de las investigaciones y unas posibilidades cada vez más amplias y llamativas en sus resultados, se planteó realizar un congreso que, por primera vez en España uniera las distintas perspectivas de estos análisis acústico-arquitectónicos y musicológicos. Dentro de la península ibérica, la Universidad de Sevilla llevaba tiempo realizando estudios técnicos sobre edificios hispanos y había promovido varios trabajos de reconstrucción sonora16. El grupo de investigación sevillano TEP130 Arquitectura, Patrimonio y Sostenibilidad adscrito al Plan Andaluz de Investigación, Desarrollo e Innovación consiguió varios proyectos I+D que estudiaban el comportamiento del sonido en templos hispanos e impulsaron los análisis sobre el tema con el resultado de varias ediciones17. La tesis de Antonio Pedrero, realizada en la Universidad Politécnica de Madrid, incorporó las investigaciones musicológicas y la ejecución de música antigua a este tipo de estudios y fue el germen de un acercamiento entre ambas disciplinas18.
El congreso internacional titulado Música antigua, espacios arquitectónicos y nuevas tecnologías/ Early music, architectural spaces and new technologies se celebró en la ciudad medieval amurallada de Morella en Valencia, en mayo de 2022. El evento constituía el IV encuentro del grupo de investigación “Música y Contextos en el Mundo Ibérico Medieval y Renacentista”, perteneciente a la Sociedad Española de Musicología. Francisco Rodilla León, presidente del grupo, fue el director científico y su organización estuvo financiada por la Fundación Cultural CdM, dirigida por Carles Magraner. El objetivo del congreso era reunir varias corrientes de investigación: estudios sobre el interés y la influencia de la acústica en el pasado, exploraciones arquitectónicas sobre la transmisión del sonido que incorporaban una visión histórico-musical e investigaciones musicológicas que tuvieran en cuenta el espacio. El intercambio de ideas y el ambiente de colaboración generaron la planificación de otro Simposium internacional celebrado en Avignon al año siguiente y el presente volumen, que incorpora puntos en común dentro de las diferentes perspectivas que se trabajan de forma simultánea en la actualidad19.
La ponencia inaugural fue encargada a Dorothea Baumann y la de clausura a Iain Fenlon. Ambos, consolidados investigadores con una larga carrera plagada de ediciones de alta calidad que han ayudado al enriquecimiento de los enfoques y a la originalidad de las investigaciones y, entre sus variados prismas, han tratado la música y el espacio a lo largo de décadas20. Desafortunadamente Dorothea Baumann no pudo acudir al congreso a última hora a causa de una fuerte gripe. A pesar de su estado, tuvo la amabilidad de enviar en video su contribución, junto con el texto íntegro, que hicieron posible la apertura del congreso con sus palabras, en un gesto que muestra su generosidad y determinación. En un giro trágico de los acontecimientos, algo más de tres meses después murió, dejando una huella imborrable en todos aquellos que habíamos tenido contacto con ella a lo largo de su vida. Su energía y capacidad de trabajo era conocida por todos y desde aquí queremos rendirle homenaje con un libro con el que, estamos seguros, ella habría disfrutado. Más tarde, se puso en contacto con nosotros Elena Abramov-van Rijk que amablemente se ofreció a ampliar la contribución de Dorothea con la información que la ex secretaria del IMS había recopilado para su conferencia y se encontraba en su ordenador. Queremos agradecerle a ella también su generosa ayuda y todo su trabajo para poder incluir aquí la investigación completa que realizó un referente personal y académico para todos. Sus trabajos y personalidad continuarán inspirándonos siempre.
El libro se divide en tres bloques que exponen diferentes aproximaciones a un mismo campo de análisis: el hecho musical y la influencia de su contexto espacial. Las relaciones entre la arquitectura, la música y la acústica desde una perspectiva histórica constituyen la temática de la primera sección. Los cuatro capítulos incluidos en este apartado inicial presentan distintos enfoques donde el primero, a modo de preámbulo introductorio, expone una visión general europea. Los dos siguientes examinan las penínsulas italiana e ibérica por este orden, ambas íntimamente relacionadas entre sí por la política y el comercio durante el Renacimiento. El cierre de esta sección analiza las ceremonias borgoñonas, las cuales fueron un modelo europeo de etiqueta.
En el primer estudio, Dorothea Baumann expone cómo las nuevas traducciones de escritos griegos de la Antigüedad y los experimentos sobre las reglas geométricas de la óptica desde el siglo XII condujeron gradualmente a un nuevo concepto de espacio y tiempo. En la construcción de catedrales, esta conciencia se reflejó en la progresiva transformación de la planta basada en una cruz con añadidos durante el estilo románico y gótico a un tipo de construcción renacentista que utilizaba una sola unidad de espacio para calcular todas las dimensiones de las partes del edificio. El uso creciente de polifonía y el aumento de la plantilla para la interpretación del canto, junto a la incorporación de instrumentos musicales necesitaba cada vez más de una planificación espacial para conseguir las mejores condiciones acústicas posibles.
Iain Fenlon trata sobre los cambios que se produjeron en las estructuras de la Iglesia católica en Italia en los años inmediatamente posteriores al Concilio de Trento. Las reformas diocesanas llevadas a cabo por los diferentes eclesiásticos muestran iniciativas personales sin uniformidad de enfoque, donde no se produce un modelo claro a seguir. Ante este contexto general, el estudio se centra en dos ejemplos diferentes que reflejan distintos temperamentos y contextos. Por un lado, Mantua, donde el duque y compositor Guglielmo Gonzaga, supervisó personalmente la construcción y el funcionamiento músico-litúrgico de la capilla de la corte. Por otro lado, la Venecia republicana, con un jefe de Estado que cambiaba con frecuencia, se mostró más enraizada con sus tradiciones heredadas. Tanto en Santa Bárbara como en San Marco se exponen reformas que afectan a las ceremonias, a la arquitectura y a la música, elementos íntimamente relacionados.
En el tercer capítulo el foco se traslada a la península ibérica, donde Eva Esteve Roldán destaca el éxito que tuvo el libro De Arquitectura de Vitruvio en España con varias traducciones y textos inspirados en sus orientaciones estéticas y constructivas durante el Renacimiento. Entre los diversos ejemplares relacionados con la obra romana destaca la versión al castellano manuscrita realizada entre 1554 y 1564 por Lázaro de Velasco. Este humanista, teólogo e iluminador de libros de coro de la catedral de Granada añadió a su traducción dibujos de los vasos resonantes y comentarios personales que ilustran las explicaciones vitruvianas. La autora muestra como influyen las características arquitectónicas específicas de los templos hispanos en las decisiones tomadas para mejorar el paisaje sonoro dentro de las instituciones religiosas. El interés renovado por el aspecto auditivo se refleja tanto en el diseño de los edificios como en la organización constante y la transformación del ritual religioso.
Para cerrar este apartado, la contribución de Margret Scharrer se enfoca en las entradas de gobernantes que tuvieron lugar en el territorio neerlandés borgoñón durante el reinado de Felipe el Bueno (1396–1467) y Carlos el Temerario (1433–1477). A partir de crónicas urbanas y cortesanas, documentación económica e ilustraciones bibliográficas, la autora muestra cómo tanto la arquitectura urbana como la efímera fueron utilizadas intencionalmente para el desarrollo de un paisaje sonoro planificado. Los balcones, las puertas de la ciudad y las torres de las iglesias se encontraban entre los puntos más utilizados para la producción y propagación del sonido. Además de los lugares existentes, se construyeron arquitecturas efímeras como tribunas especiales para las representaciones de teatro y de música. A las plataformas fijas se sumaba la producción de sonido en movimiento: la música se producía, asimismo a través de edificaciones portátiles o móviles, de modo que los músicos eran colocados sobre lomos de animales en pequeñas construcciones de madera durante los traslados. El capítulo muestra como la rica decoración visual tuvo su paralelismo acústico para contribuir a la escenificación consciente de la autorrepresentación política, económica y jurídica.
La segunda sección del libro se destina a la parte más técnica de las investigaciones en el sentido de su aplicación físico-acústica. El orden de exposición tiene en cuenta la cronología de los recintos en los que se ha realizado la reconstrucción virtual, que se disponen de los más tempranos a los más tardíos. El apartado presenta varios proyectos que muestran las posibilidades de los trabajos interdisciplinares con la integración de las tecnologías digitales, cuyos resultados facilitan nuevas formas de acercamiento al patrimonio inmaterial. Antonio Pedrero y María Larrosa plantean el problema de la reconstrucción del rito hispánico, una recuperación que se muestra especialmente difícil por la modificación o desaparición de las iglesias donde era celebrado y porque la mayoría del repertorio está en notación adiastemática. La búsqueda de una sonoridad que se acerque a su origen ha promovido la aplicación de técnicas de realidad acústica virtual para reproducir los espacios sonoros originales en un grupo de iglesias prerrománicas de la península ibérica. Se ha añadido la búsqueda e interpretación de las melodías del ritual visigótico que fueron escritas en notación diastemática en el medievo. La investigación presenta el proceso de reconstrucción acústica y los resultados de la aplicación y grabación de este repertorio en el entorno aural recuperado. Su estudio concluye que, a pesar de las incertidumbres que presenta esta reconstrucción sonora virtual, las iglesias prerrománicas presentaban una clara jerarquización acústica que establecía espacios sonoros diferenciados en las distintas secciones del templo.
El siguiente capítulo está realizado por Frédéric Billiet, Valerie Le Page, Sarabeth Mullins y Brian F. G. Katz. El estudio muestra otra colaboración que utiliza la realidad virtual para explorar la acústica de un edificio histórico, en este caso, el de la catedral de Notre-Dame de París desde su construcción a su posterior evolución a lo largo del tiempo debido a renovaciones, deterioros, etc. El proyecto se inició en el año 2013 y utiliza el sistema EVAA (Experimental Virtual Archaeological-Acoustics) para la simulación en tiempo real de la topografía de la catedral de Notre-Dame, a la que se añade la interpretación musical histórica. Los colaboradores se basan en el éxito de estudios anteriores para reconstruir la acústica que no persiste en la actualidad a través de la auralización de realidad virtual (la analogía acústica de la visualización) con modelos calibrados adecuadamente. El objetivo planteado era explorar el impacto acústico de las primeras arquitecturas de Notre-Dame respecto al canto polifónico que se desarrolló coetáneamente a su construcción. Para ello, se trabajó con un grupo vocal especializado en canto medieval y se auditaron extractos de Viderunt Omnes en tres arquitecturas diferentes para examinar los cambios en la recepción musical por parte de oyentes expertos.
Julien Ferrando y Julien De Muynke describen después el proyecto IMAPI Experiment, el cual es el resultado de una colaboración entre el Laboratorio PRISM (UMR 6071) CNRS de Marsella, el Laboratorio LAM (UMR 7190) CNRS de París y el conjunto musical Diabolus in Musica de Tours. En este caso, el objetivo del experimento fue realizar un estudio arqueoacústico original en el contexto del palacio de los Papas de Aviñón que recreara el entorno sonoro de mediados del siglo XIV. La investigación incorpora la ejecución musical del repertorio que se conserva en el códice de Ivrea 115 y en el manuscrito 16bis de Apt. Los autores explican cómo se ha planificado el proyecto a través una plataforma digital y de la estrecha colaboración entre musicólogos, físicos especializados en los campos de la acústica de edificios históricos e intérpretes musicales. El resultado permite al oyente explorar la música destinada a los papas hacia 1352–1362 sumergido en un entorno acústico-histórico virtual.
El último estudio de esta sección se basa en la evaluación acústica de los espacios de la Real Basílica de San Lorenzo del Escorial, dentro del monasterio real construido entre 1563 y 1584 en localidad de San Lorenzo del Escorial, actualmente dentro de la Comunidad de Madrid. María Larrosa ha llevado a cabo una extensa campaña de mediciones acústicas teniendo en cuenta los usos litúrgicos del recinto. Los cronistas de la época, entre los que destaca fray José de Sigüenza, dejaron numerosos testimonios sobre el uso del espacio en la basílica y las posiciones que ocupaban los participantes en los actos litúrgicos. La investigación compara los comentarios registrados por los receptores del siglo XVI sobre las interpretaciones musicales en el interior del recinto con los resultados de las mediciones actuales. Con los documentos consultados y los datos obtenidos a través de la campaña de mediciones acústicas, es posible valorar la adecuación de las características acústicas del espacio con relación a su uso litúrgico, teniendo en cuenta el contexto histórico y estético del siglo XVI.
La tercera y última división temática de todo el conjunto se enfoca en la recreación del paisaje sonoro a través de diversas fuentes documentales, teniendo en cuenta especialmente el espacio donde tienen lugar las interpretaciones. El orden de exposición se organiza de los estudios más generales a los más específicos. La primera aportación con esta perspectiva, realizada por John Griffiths plantea el problema del estudio interpretativo espacial del siglo XVI cuando se aplica a los instrumentos solistas fuera del ritual religioso. A través de una amplia búsqueda informatizada, que incluye la consulta de iconografía, fuentes prácticas y testimonios históricos de escucha, señala las posibilidades de los distintos entornos físicos para la interpretación de los instrumentos de cuerda pulsada. El autor propone, además la necesidad de considerar otros factores como los entornos sociales (cortesano, eclesiástico, urbano, cívico, doméstico), las situaciones socioeconómicas de los intérpretes y oyentes, las actividades generales donde se incluía la participación musical, el número de oyentes o la hora del día.
Clara Bejarano Pellicer se detiene en la ubicación espacial de los músicos, particularmente de los ministriles, en sus actuaciones. Su estudio refleja una tendencia a proyectar el sonido de los instrumentos de viento madera desde atalayas elevadas, cuyos ejemplos se pueden encontrar en las tribunas de los templos, pero con mucha frecuencia también en los espacios abiertos del exterior. Los campanarios, las torres, las galerías y las logias del paisaje arquitectónico urbano sirvieron como improvisadas plataformas cuando el aparato festivo difundió la música por las calles. La autora incluye también algunas edificaciones que fueron construidas exprofeso a dicho efecto, las cuales con el tiempo pasaron de ser un elemento de arquitectura efímera festiva a convertirse en un edificio integrado en el paisaje urbano en ciertas localidades. El texto realiza un recorrido a través de las ciudades españolas con el objetivo de encontrar las raíces y el origen del fenómeno y pone en relación los espacios civiles y religiosos, que nunca dejaron de interconectarse en el área de la fiesta.
En relación con el último capítulo de la sección anterior, la investigación de José Sierra Pérez se centra en el coro del Real Monasterio del Escorial. El enfoque del estudio plantea una perspectiva global del espacio como punto neurálgico del edificio donde convergen una gran cantidad de elementos: la biblioteca coral, los integrantes del coro, los instrumentos musicales, los libros, etc. La distribución del trabajo coral se realiza minuciosamente con funciones específicas para cada cargo: corrector de canto, maestro de capilla, organista, corrector del texto, hebdomadario, versiculario, lucernario, entonador, coristas. La funcionalidad del espacio no se restringe únicamente al oficio litúrgico, sino que también participa en los acontecimientos extraordinarios que tienen lugar en un recinto que ejerce de residencia real. En este contexto, la plataforma elevada dentro de la basílica del monasterio interviene en las horas canónicas, los villancicos, los autos de Navidad, las disciplinas, los capítulos de culpas y los homenajes a monarcas y nobles o altos cargos religiosos. La presencia del canto es constante y el estudio de su organización y los componentes que lo acompañan ayuda a entender las razones de su ubicación, su función y los conceptos estéticos de la época.
El trabajo de Elena Aguilar Gasulla realiza una aproximación a la Basílica Arciprestal Santa María La Mayor de Morella desde el siglo XIV hasta el Siglo de Oro español. El estudio escudriña las fuentes archivísticas y musicales de la capilla musical por vez primera y aporta datos relevantes para entender el funcionamiento de los oficios relacionados con el sonido y su vinculación con los beneficios eclesiásticos. La información proporcionada sobre el coro y la capilla contempla su polisemia tanto desde el punto de vista de agrupación musical, como del espacio donde se interpretaba la música. La exposición de la investigación muestra la producción de música dentro y fuera del recinto coral y señala otras zonas que también participaban activamente en la música y la liturgia como el altar mayor, el órgano, el recorrido de las procesiones y las representaciones religiosas.
Para cerrar el volumen, Tül Demirbaş viaja por el tiempo y la geografía para detenerse en la ceremonia de circuncisión del hijo del sultán Murad III, Şehzade Mehmed, que se celebró en 1582 en Estambul. Invitados de todo el mundo, cortesanos, viajeros y el público de tierras otomanas fueron testigos del festival en Atmeydanı que duró más de 50 días. La ceremonia ha pasado a la historia como el máximo exponente de los festivales otomanos. La autora explora el papel de la música, el espacio y otras actividades sonoras relacionadas con el poder imperial en el festival a través de la selección de fuentes escritas y de miniaturas de manuscritos conservados en el archivo del Museo del Palacio de Topkapı en Estambul. El evento fue celebrado en uno de los recintos más antiguos e históricos de la ciudad, que se remonta al Imperio Romano y, como otras fiestas de la corte, se organizó como representación del poder otomano y legitimación de la dinastía gobernante.
El conjunto de todos los estudios, con sus puntos en común y sus diversas formas de abordar investigaciones musicales contemporáneas, se conforman como una invitación al diálogo, a la reflexión y a la colaboración nacional e internacional. El volumen reúne iniciativas grupales e individuales interdisciplinares con diferentes metodologías y perspectivas. Sin embargo, todas comparten un objetivo: ampliar nuestro conocimiento sobre música antigua a través de diversas herramientas, ya sean visuales, auditivas, técnicas, intelectuales o la combinación de algunas o de todas ellas. Su espíritu de cooperación y apertura a las nuevas ideas y posibilidades muestra el carácter de los eventos organizados por el grupo de trabajo SEdeM “Música y contextos en el mundo ibérico medieval y renacentista” fundado en el 201721. Igualmente, la combinación de trabajos de brillantes investigadores consolidados que a lo largo de su profesión han abierto nuevas perspectivas musicológicas junto a jóvenes de carreras incipientes con proyectos originales y novedosos es otro de los objetivos de una asociación cada vez más amplia y consolidada. Han pasado casi cien años desde las reflexiones de Harold Spivacke y desde entonces el mundo ha cambiado considerablemente. La reunión de estos trabajos no solo evidencia la irrupción de las tecnologías digitales en la musicología, evidencia las posibilidades del trabajo en equipo y los resultados de la cooperación y el intercambio generoso de ideas entre varias generaciones y especialidades.
List of references/ Lista de referencias
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Carvalho, Antonio P. O. 1994. “Influence of Architectural Features and Style on Various Acoustical Measures in Churches”. Tesis doctoral, Gainesville: University of Florida.
Galindo del Pozo, Miguel. 2003. “La acústica en espacios religiosos católicos: iglesias gótico-mudéjares”, Tesis doctoral, Sevilla: Universidad de Sevilla.
González Gomis, José B. 2023. “Estudios acústicos de la edilicia sacra en la Hispania medieval: una mirada desde la musicología”, en Esteve Roldán, Eva; Griffiths, John y Rodilla León, Francisco (eds.): Cultura y música en la península ibérica hasta 1650. Kassel: Reichenberger, pp. 97–118.
Joyner, John E. 1993. “The Impact of Architecture on Acoustical Settings for Sacred Music in the Episcopal Parish Churches of Georgia”. Tesis doctoral, Atlanta: Georgia Institute of Technology.
Pedrero González, Antonio. 2014. “Restauración virtual del patrimonio sonoro. Aplicación al antiguo rito hispánico”, Tesis doctoral, Madrid: Universidad Politécnica.
Una visión extraordinariamente analítica sobre el tema es Leech-Wilkinson, 2002.
“The place of acoustics in musicology is similar to the position occupied by sound in music”. Spivacke, 1936: 3; Morgan, 2001.
Spivacke, 1936: 8.
Spivacke, 1936 8.
Cellier y Bagenal, 1926; Bagenal, 1927; Bagenal y Wood, 1931.
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Por ejemplo, Lowinsky, 1941; Warren, 1973.
Bryant, 1981; Moore, 1981 o Fenlon, 1993.
Baumann, 1988/89; Baumann and Haggh, 1990.
Baumann, 1991: 105.
Sus últimos trabajos en este campo fueron Baumann, 2011 y Baumann, 2015.
Joyner, 1993; Carvalho, 1994.
Dos laboratorios acústicos colaboraron en su desarrollo, el Arup Acoustics de Cambridge y el Laboratorio di Acustica Musicale en la Fondazione Scuola di San Giorgio en Venecia.
Howard y Moretti, 2009; Howard y Moretti, 2012.
Fiala, 2016a y Fiala, 2016b. Se mantienen en acceso abierto dos videos, uno completo en Collégiale Saint-Martin de Tours: histoire d’une renaissance virtuelle, disponible en https://ricercar.cesr.univ-tours.fr/ReViSMartin/ y otro resumido en https://intelligencedespatrimoines.fr/2075-2/ [acceso el 19/05/2023].
Por ejemplo, Sendra y Navarro, 1997; Galindo, 2003; Alonso, 2016.
Suárez Medina, 2017; Alberdi, 2021a; Alberdi, 2021b.
Pedrero, 2014. Para una visión general de la evolución de las investigaciones hispánicas al respecto véase González, 2023.
Colloque international Gothic Resonances/International Symposium Resonances Gothiques, Avignon, 1-9/9/2023, disponible en http://gothicresonances2023.pasthasears.eu/ [acceso el 20/08/2023].
Especialmente evocador es el trabajo de Fenlon, 2012.
Se pueden consultar los objetivos, miembros, congresos y ediciones del grupo Música y contextos en el mundo ibérico medieval y renacentista en https://medyren.wixsite.com/medyren-sedem [acceso el 30/04/2024].